APARIENCIA DESNUDA: EL DESEO Y EL OBJETO EN LA OBRA DE MARCEL DUCHAMP Y JEFF KOONS, AÚN.

EL MUSEO JUMEX PRESENTA LA PRIMERA GRAN EXPOSICIÓN EN MÉXICO Y LATINOAMÉRICA QUE MUESTRA EN CONJUNTO LA OBRA DE MARCEL DUCHAMP Y JEFF KOONS.

La exposición que se presentará en el Museo Jumex se concibe como una caja de música o un ballet mécanique, que enfrenta al espectador con yuxtaposiciones frecuentes entre la miniatura y lo monumental; el original y la copia.

Parecida a entrar en una boîte-en-valise, la muestra aborda tanto a los visitantes como a las obras como piezas de un rompecabezas filosófico que envuelve las definiciones del yo, el objeto y el deseo.

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“Saber Más de Apariencia Desnuda: El Deseo y el Objeto en la obra de Marcel Duchamp y Jeff Koons, Aun”

El curador invitado Massimiliano Gioni establece un paralelismo entre las obras de Marcel Duchamp y Jeff Koons, dos de los artistas más influyentes del siglo XX.

Abordando conceptos clave sobre los objetos, las mercancías y la relación del artista con la sociedad.

Apariencia desnuda es la primera exposición que muestra en conjunto la obra de estos legendarios artistas. Al poner sus trabajos frente a frente, la exhibición opera como una sala de espejos que refleja, distorsiona y amplifica las semejanzas y diferencias entre los artistas dentro de un complejo “régimen de coincidencias”, para tomar prestada una de las peculiares expresiones de Duchamp.

Más que sugerir una filiación directa, la exposición propone un sistema de afinidades electivas que consisten en resonancias formales y conceptuales entre los dos artistas, siguiendo lo que Duchamp llamó una “co-intelligence des contraires”, o “cointeligencia de contrarios”, dentro de sus mundos artísticos.

Aunque los separan varias décadas, sus universos creativos, distintos pero complementarios, cuestionan de manera similar la función de los objetos y el encanto de las mercancías, ya que ambos artistas desarrollaron sus propias filosofías del deseo y el gusto por lo que al considerar su papel como artistas de manera más amplia propusieron nuevas formas de pensar sobre el arte y el yo.

En 1913, cuando Duchamp inició su investigación sobre los “escaparates que ocultan el coito a través de un cristal” comenzó a explorar la relación entre la sexualidad y la cultura de la mercancía; asimismo, examinó cómo los artistas están implicados en una nueva economía del deseo.

Lo más importante, sin embargo, es que elaboró una compleja construcción teórica que desafió las nociones de identidad y estableció una nueva ontología del arte, con lo que cambió radicalmente lo que significa ser artista y cómo se define el arte. Muchas de estas mismas ideas reaparecen, ampliadas y transformadas, en la obra de Jeff Koons, quien, desde finales de los años setenta, ha contemplado un mundo semejante de deseo.

La transición de la obra de Duchamp a la de Koons pone de relieve otras transformaciones fundamentales en la cultura del siglo XX, que abarcan las definiciones de subjetividad y trabajo, así como la designación de valor y gusto; todo ello por medio de debates sobre moralidad y sexualidad, autoría y propiedad, integridad y corrupción.

La exposición, específicamente, ilustra la transición del ready-made al facsímil y describe una “erótica de las cosas”, según teorizaba el historiador del arte David Joselit, que tanto Duchamp como Koons exponen en sus objetos y réplicas hiperrealistas.

La adopción de la tecnología como metáfora sexual es otra preocupación que tienen en común, ya que el trabajo de ambos artistas a menudo coquetea con el atractivo sexual de lo inorgánico.

El erotismo, el género y el desafío a las normas éticas impuestas también son centrales en su trabajo, en especial en lo que se refiere a los temas sexuales más explícitos que tanto Duchamp como Koons han empleado para delinear las nuevas anatomías del deseo.

La tercerización de la mano de obra y la construcción de la identidad del artista como personaje público son otras similitudes recurrentes, y ambas estrategias dan por resultado formas parecidas de desapego y alejamiento, una nueva “belleza de la indiferencia”, como la llamó Duchamp.

El curador Massimiliano Gioni manifiesta: “Esta es la primera gran exposición que examina directamente la influencia de Marcel Duchamp en Jeff Koons y la interpretación de Koons al trabajo de Duchamp. Además de analizar las relaciones entre el ready-made y la cultura de consumo, la exposición revela cómo la obra de Duchamp y Koons gravita de manera similar hacia los enigmas de la invisibilidad y la transparencia, el secreto y la revelación.

Como indica el título, la exposición Apariencia desnuda, tomado de un ensayo de la obra de Duchamp realizado por el Premio Nobel mexicano Octavio Paz, revela las apariencias y apariciones en un juego de ajedrez entre la esencia y la superficie”.

Eugenio López Alonso, presidente de la Fundación Jumex Arte Contemporáneo comenta: “Agradezco a Jeff Koons su entusiasmo y generosidad durante la organización de esta exposición; al curador invitado, Massimiliano Gioni, su novedosa propuesta, así como a los coleccionistas e instituciones internacionales que prestaron sus obras para hacer posible este proyecto.

En el Museo Jumex nos emociona poder ofrecer al público mexicano una muestra en la que disfrutarán la faceta lúdica de la obra de Jeff Koons, uno de los artistas más significativos y populares de este siglo y, al mismo tiempo, serán parte del diálogo entre dos creadores aparentemente disímbolos, pero que invitan a los espectadores a pensar sobre la función del arte”.

Apariencia desnuda presentará más de 80 obras de Marcel Duchamp y de Jeff Koons, entre las que se encuentra la serie completa de ready-mades de 1964 de Duchamp, que incluye Bicycle Wheel, Bottle Rack y Fountain, entre otras; así como una selección de las más reconocidas series de Koons como The New, Banality, Made in Heaven, Celebration, Antiquity y obras como Rabbit, Balloon Dog, Moon, Play-Doh, y Hulk.

La exposición incluye préstamos de más de 30 colecciones como: Astrup Fearnley Museum, Oslo; The Broad Art Foundation, Los Ángeles; Museu Coleção Berardo, Lisboa; Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Roma; The Israel Museum, Jerusalén; Moderna Museet, Estocolmo; Museum of Contemporary Art Chicago; National Gallery of Canada, Ottawa; Pinault Collection; Philadelphia Museum of Art; The Sonnabend Collection, Nueva York y Tate, Londres, entre otros. PUBLICACIÓN ACERCA DEL CURADOR La exposición incluye un catálogo publicado por Phaidon y Fundación Jumex, con Massimiliano Gioni como editor. Con reproducciones de las obras en exhibición, la publicación contendrá ensayos de Daniel Birnbaum, Thomas Girst, Dorothea von Hantelman, Adina Kamien-Kazhdan, Helen Molesworth, María Minera, Francis Naumann, Laurent de Sutter, Calvin Tomkins, Chris Wiley, así como textos descriptivos de Natalie Bell. Massimiliano Gioni es director artístico Edlis Neeson del New Museum de Nueva York y director de la Fundación Trussardi de Milán. Gioni ha organizado numerosas exposiciones internacionales, entre ellas la 55ª Bienal de Venecia (2013), la Bienal de Gwangju (2010), la Bienal de Berlín (2006) y Manifesta (2004). En el New Museum ha curado varias exposiciones colectivas incluyendo After Nature (2008), Ghosts in the Machine (2012), Here and Elsewhere (2014) y The Keeper (2016), así como exposiciones individuales de John Akomfrah, Pawel Althamer, Thomas Bayrle, Lynette YiadomBoakye, Tacita Dean, Nicole Eisenman, Urs Fischer, Camille Henrot, Carsten Höller, Sarah Lucas, Albert Oehlen, Chris Ofili, Pipilotti Rist, y Anri Sala, entre otros artistas.

(Información Cortesía MUSEO JUMEX).

ADMISIÓN HORARIOS

Entrada general / $50 MXN

Público nacional / $30 MXN

Entrada gratuita a menores de 15 años / Estudiantes* / Adultos mayores* / Maestros* *Con credencial vigente

Domingo entrada libre

Martes–domingo / 10 AM–7 PM

Lunes / cerrado

MUSEO JUMEX MIGUEL DE CERVANTES SAAVEDRA 303 COLONIA GRANADA 11520, CIUDAD DE MÉXICO.

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Nuevo Zoologique Mexicano

Dentro del marco del Festival Encender Un Fósforo (Coreografía, Danza, Performance), llamó la atención en sus dos días de presentación la pieza escénica inspirada en los Zoológicos Humanos, bajo la Dirección de Rosa Landabur creadora de nacionalidad Chilena, nos devuelve este episodio histórico en esta ocasión a la Mexicana.


Los zoológicos humanos fueron ferias de exhibición, de personas de diferentes latitudes del mundo, que se realizaron en Francia y otros países de Europa. 

Se exhibía a estas personas por ser considerados salvajes, bárbaros y exóticos. 


Uno de los zoológicos humanos más famosos fue el que se realizó en París, en el año 1881, en la exposición “Jardín Zoologique d’Acclimatatión”, con motivo de la celebración de los cien años de la Revolución Francesa.


Las personas exhibidas eran indígenas secuestrados de países de África, Asia y América. Subidas en un barco y transportados como mercancía.

Luego al llegar a Europa, se les encerraba tras rejas y eran expuestos con sus trajes típicos en unas escenografías que simulaban su hábitat natural.

Durante el viaje y su estadía en el zoológico, contraían enfermedades y eran sometidos a abusos psicológicos, físicos y sexuales. 

Entraban en un estado depresivo y muchos murieron. Casi ninguno regreso a su lugar de origen.


Fueron expuestos para la curiosidad, divertimento y perversidad de los visitantes.

Lo monstruoso y lo indígena fija los parámetros de normalidad y superioridad racial dentro de las lógicas coloniales de poder.

En los zoológicos humanos el europeo que se auto percibe como superior, con la autoridad de de enunciar y definir la otredad. 

(Texto introducción de la obra cortesía Producción Rosa Landabur).


Nuevo Zoologique Mexicano nos pareció cautivador al ubicarse en un espacio público a la vista de los transeúntes, que miraban con curiosidad, expectación y algunos guiños de preocupación, al observar tras la reja, la pieza escénica contaba con un dispositivo que contenía una lista de música regional mexicana que podía seleccionar o cambiar sin enfado, cada pieza musical con referencia a un baile y vestimenta regional mexicano, donde se podía generar escenarios típicos de Veracruz, Jalisco, el norte, centro y sur del país.

La activación de estos momentos permitían observar el tradicional zapateado sobre el banquito, la danza del venado, la Iguana, el charro mexicano, etc. 

Aún que por momentos podíamos apreciar aburrimiento, cansancio y melancolía en este caso logrados por Alberto Montes intérprete de la persona en cautiverio, me toco escuchar a una persona de edad preguntar por qué lo tenían así, mirar a los niños expectantes boquiabiertos, personas aplaudiendo el espectáculo, que logra atraer al público. 


Una pieza artística original de Rosa Landabur.

Para su participación  en el Festival Encender Un Fósforo C orografía, danza y Performance, en Museo Universitario del Chopo. 


Nuevo Zoologique Mexicano (Interpreta Alberto Montes) dirección Rosa Landabur (Chile) Festival Encender un fósforo #EduArtDeco #FestivalEncenderUnFósforo #Performance #Danza #Coreografía #Art #Artes #Artist #Arte #ArtesEscénicas #Cultura #Ciudad #CDMX #ChileArt #DanzaMX #Escénicas #Espectadores #EspacioPublico #Escenarios #Instantánea #JuntosHacemosCultura #Museo #Museum #Museos #MuseoChopo #MuseosMX #MuseosCDMX #MuseumsOfTheWorld @museodelchopo @rosita_landabur 

BARRO Y FUEGO.

El arte de la alfarería en Oaxaca.

Llega a Museo Franz Mayer la colección de 150 piezas de alfarería tradicional representativa de 35 pueblos de Oaxaca, Guerrero y Puebla, con curaduría de Eric Mindling.

La exposición abre sus puertas en Mayo y podrá visitarse hasta el 17 de Junio 2018, la muestra se conforma por tres secciones temáticas: Cocina, Pueblo y Planeta. 


Presentación Barro y Fuego Demetria Cruz Peralta, Juan Ruíz Zárate [Artesanos], Héctor Rivero Borrell [Director Museo Franz Mayer], Diego Mier y Terán [Fundador Inovando la tradición A.C.

Barro, Agua y Fuego.

Este oficio milenario de nuestros pueblos lleva en sus manos la técnicas el oficio así como sus diseños incomparables orgánicos y funcionales, en cada creación imprimen sus creencias, estado de ánimo, humor e infinidad de diseños que van de generación en generación. 

Los procesos de creación, el manejo del barro la selección la pieza en crudo y el cocido en sus hornos habla del trabajo artesanal que se ha convertido en un legado de conocimientos.


La muestra recopila piezas de alfarería a partir de la investigación de campo, realizada por el fotógrafo Eric Mindling, desde la década de los noventa en pequeñas comunidades de Oaxaca,  inspirada en Su Libro fotográfico Barro y Fuego, Organizada en colaboración con la asociación civil Innovando la tradición. 


Cocina

 Compuesta de piezas utilitarias con la unión de diversos materiales donde sobresale el diseño en comales, cazuelas, jarras, cántaros, mezcaleros y muchos objetos más de uso cotidiano en la tradición de las cocinas mexicanas. 


Pueblo

Enmarca la diversidad en técnicas y costumbres regionales en sus procesos de elaboración y el manejo del barro en piezas con terminados en: bruñido, esmaltado, engobes y rayados.


Planeta

Nos invita a conocer y analizar el bajo impacto ambiental del barro así como el balance entre el uso de los objetos, su vida útil y su posterior eliminación. 


Con esta exposición el Museo Franz Mayer continúa su labor dedicada a la promoción del Coleccionismo y el diseño en México.

Visita Museo Franz Mayer

Barro y Fuego. El arte de la alfarería en Oaxaca

Martes a viernes 10:00 a 17:00 Hrs. 

Sabado y domingo 10:00 a 19:00 Hrs. 

Av. Hidalgo 45, Centro Histórico Ciudad de México. 

LABORATORIO DE LA CEGUERA

Proyecto
Dos Artistas colaboran con el interés de compartir ideas de visualidad, imposibilidad y corporalidad, para generar exposiciones itinerantes a partir de acciones artísticas que permitan experimentar e indagar peculiaridades de la condición corporal a partir de la imposibilidad visual.

El proyecto arranco por iniciativa del Dr. Juan Peiro en la universidad de Valencia en 2015.

De la cual se desprende LABORATORIO DE LA CEGUERA una serie de encuentros que dieron como resultado una serie de piezas y dibujos. 


Este proyecto continuo tiene como propuesta hacer residencia en espacios para indagar sobre el cuerpo, la huella y la imposibilidad de la mirada.


ESPECTROS CORPÒREOS.

“La Mirada Como Forma Para Conocer El Mundo Se Ha Vuelto Soberana, Pensamos Con Nuestros Ojos”

Proyecto de intervención para el desarrollo de mecanismos artísticos, proponiendo una reflexión que nos pone pensar en la relación visión y sentidos.

Cuestionando la visión como sentido principal, se dará lugar a la discusión e intercambio de ideas en torno al tema.
EXPOSICIÓN 
La residencia que en esta ocasión ocupó el espacio de la Galería Clínica Regina y sus alrededores, agrupará una serie de piezas con recursos fotográficos, dibujo e instalaciones que aportarán una idea sobre la imposibilidad de mirar.

En conjunto las artistas Mónica Zamudio y Alicia Robles, nos llevarán de la mano dentro de un ambiente sensorial donde la mirada y la imposibilidad de la mirada son el eje principal de esta exposición.

Mónica Zamudio Artista Visual.

A trabajado con el taller Cuerpo – Rumor, explora en su totalidad procesos creativos por medio del dibujo bajo la imposibilidad visual. 


Alicia Robles Lic. En Artes Visuales. 

Incorpora la danza y dibujo bajo la investigación y el trabajo interdisciplinario.

GALERIA CLÍNICA REGINA
Proyecto Cultural enfocado al arte actual, brindando un espacio para la producción, difusión, crítica y registro del arte contemporáneo.

Cuenta con áreas específicas para la exposición de obras que respondan a los diferentes fenómenos estéticos y culturales que conforman el arte en la actualidad. 

Visita también :
https://www.facebook.com/clinica.regina/about?lst=728401379%3A1480580766%3A1497473239
http://www.guiadelcentrohistorico.mx/blog/Javier-lara/626
laboratoriodelacguera.weebly.com

http://www.espaciofidencia.com/cuerpo-rumor.html

monicazamudio.wixsite.com/monicazamudio
aliciaroblesm.blogspot.mx

(Fotografías cortesía Alicia Robles & Mónica Zamudio).

Información Taller 

laboratoriodelaceguera.weebly.com/taller.html

ARTE OBJETO MAZAHUA. 

Exposición que a demás de destacar las técnicas en los bordados Mazahuas, nos pone frente a los objetos y las personas que colaboran para preservar, difundir y poner en la mira del público en general cuarenta piezas de arte trabajo de mujeres, hombres y niños artesanos de San Felipe Santiago con la guía de la artista Isabel Quijano. 
Escuchamos de viva voz las palabras de Isabel Quijano, quien nos detalló el proceso creativo que existe con las bordadoras de San Felipe Santiago, quien tienen como propósito reinventar e incorporar el arte textil con el arte de manera que estos objetos se puedan apreciar y adquirir como piezas de arte.

Para esto el Museo Franz Mayer abre sus puertas para traer la exposición Arte Objeto Mazahua exposición que mostrara del sábado 22 de Abril al 25 de Junio de 2017, 40 piezas de arte objeto 6 fotografías a color más 12 piezas del acervo del Centro de Estudios de Arte Popular Ruth D. Lechuga incluyendo un maravilloso bordado miniatura de 1983.
Esta exhibición muestra los trabajos de Angelica Reyes Martínez, Angelica Martinez de la Luz, María Mercedes de Jesus Marín, Matilde Reyes Martínez, Lilia Reyes Martinez, Sonia Segundo Esquivel, Cleotilde Cenovio y Juana Martínez Policarpio.

La exposición Arte Objeto Mazahua Isabel Quijano León da cuenta del trabajo realizado a lo largo de 20 años entre la artista y las bordadoras de San Felipe Santiago, Isabel Quijano Incorpora formatos de diseño en la búsqueda por proyectar la belleza del trabajo de las manos MaZahuas. 

Los bordados en forma de venados, pájaros, estrellas, caracoles y flores montados en soportes de madera, acrílico o vidrio conforman Arte Objeto Mazahua exposición  que reta los ojos del espectador a través de sus diseños textiles miniatura.

Marta Turok antropóloga nos indica que los diseños textiles de los Mazahua reflejan su enorme y rica cosmovisión que se presenta como blusas, fajas, enaguas, morrales y servilletas, elaboradas en Lana, manta y algodón, bajo tres tipos de puntadas: Dos Agujas, Hilvanado/Pepenado y el Careado, técnicas únicas de los Mazahua que llevan largas horas de trabajo en piezas únicas dignas de coleccion. 

Con esta exposición el Museo Franz Mayer continúa su apoyo al diseño, así como a la promoción y preservación del patrimonio cultural de México.

Los Teules José Clemente Orozco

Los Teules es una exposición que basa su contenido en la icónica muestra realizada por el artista jalisciense José Clemente Orozco en 1947, bajo el encargo ex profeso de El Colegio Nacional. 

La serie estuvo conformada por alrededor de setenta obras entre pinturas y dibujos que como hilo conductor se inspiraron en la crónica de Bernal Díaz del Castillo titulada Historia verdadera de la Nueva España. 

Así, las pinturas evidencian ser un relato visual del enfrentamiento entre españoles e indígenas

Cada uno de los cuadros refleja un capítulo imparcial de la conquista el encuentro de dos culturas el choque fenomenal de la raza humana donde todos tienen corazón y sangra rojo. 

Nadie mejor que Orozco para plasmar en esta serie de cuadros y dibujos el dolor humano en cada trazo mismo que necesariamente abrió paso a la evolución de un nuevo mundo, bajo el exterminio de la raza indígena que inexplicablemente sobrevive en cada uno de nosotros en la actualidad, momentos vibrantes bajo cada guiño cuadro por cuadro presentando la visión histórica más probable y real de este echo que dio paso a un momento histórico que cambió la historia para su desenlace actual de un pueblo de una conquista de una nación. 

‘Teul’ proviene de la raíz en la el náhuatl ‘teotl’, que en los oídos de los conquistadores sonó a “teules” y en su acepción histórica los teules era el calificativo indígena que designaba a los conquistadores españoles, los cuales fueron confundidos con deidades.

Una oportunidad única para observar esta serie iconica de José Clemente Orozco, bajo la curaduría de Dafne Cruz Porchini.

La exposición permanecerá en Museo de Arte Carrillo Gil apartar del sábado 8 de abril. 

Visita Mujeres Somos, Aquí y Allá. 

Últimos días para visitar la exposición en la sala Salvador Novo del Museo de La Ciudad de México, bajo el apoyo de la secretaria de cultura y el Gobierno de la Ciudad se presentan 28 piezas 14 fotografías de Artistas Mexicanos, Finlandia y Noruega, además de 14 piezas plásticas realizadas por mujeres artistas, entre grabados, fotografía, pintura y dibujos, pertenecientes al Acervo de la Fundación Cultural Trabajadores de Pascual y del Arte A.C. 


Las 14 piezas fotográficas fueron curaduría del Colectivo Arte Aquí es México, bajo el criterio de la temática de género, la colaboración artística de Noruegos, Finlandeces y Méxicanos bajo el supuesto ideológico general entre las diferencias biológicas, los Roles sociales y sexuales qu definen a las mujeres contemporáneas. 

La Directora General del Colectivo Arte Aquí es México, Bethel Zúñiga Rodríguez, dirigió el recorrido por la sala dando importantes detalles de la muestra y los artistas, así mismo nos llevó de la mano por el tema principal de esta exposición, La Mujer. 

Las mujeres fotografiadas tienen en común la fortaleza, la vulnerabilidad, el disfrute y su trabajo en diferentes entornos. 


En el recorrido contamos con la presencia de la reconocida fotógrafa Ursula Guri, quien nos platicó de su trabajo donde el reconocerse como humana, mujer, perfectible, bella y sobretodo erótica, sin perder el respeto de la mirada del otro, es el objetivo del retrato Pin Up que presenta en esta sala Salvador Novo del Museo de la Ciudad de México. 


La artista Ursula Guri contestó todas las preguntas que el público asistente a la visita guiada formuló, además platicó detalles de su proceso creativo, su trabajo en la serie CheeseCake Pin uP!, además por supuesto de su propia experiencia de ser mujer.

La exposición se complementa con obra plástica de Nora Beteta, Riña Lazo, entre otras artistas, perteneciente a la Fundación Cultural Trabajadores de Pascualy del Arte, A.C, la cual está por cumplir 25 años de solidaridad con el sector artístico, actualmente cuenta con un acervo de más de mil piezas, su presidente, Cliserio Gónzalez catalogó como un orgullo hablar sobre la mujer, uno de los pilares en la consolidación de su cooperativa. 


Mujeres Somos, Aquí y Allá, permanecerá hasta el próximo 22 de Mayo, además durante el periodo de exhibició aleatoriamente sobre el tema se llevarán acabo una serie de actividades que van desde la música, chalas y proyecciones, visiten esta excelente muestra fotográfica, el acervo de Fundación Culturalde Trabajadores de Pascual y no dejen de admirar y conocer Mujeres Somos, Aquí y Allá. 
Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez No. 30, Centro Histórico. 

De Martes a Domingo de 10:00 a 18:00 Horas. 

Miércoles Entrada Libre. 

FANCY LUPE.

El fin de semana fuimos testigo de una de las cuatro presentaciones de Fancy Lupe, dirección y dramaturgia de Pepe Romero, teatro inteligente con una propuesta de la compañía Naif Sicodelia experimentando sobe el escenario con un performance Teatral con elaboradas secuencias independientes que poco a poco, presentan este relato de fanatismo, religión y fascismo. 

  
La obra está basada en lo ocurrido el 28 de julio de 1981, donde la libertad de expresión fue reprimida, durante la presentación de la obra “Cúcara y Mácara” de Oscar Liera, en dirección de Enrique Pineda y la infantería Teatral de la Universidad Veracruzana en el teatro Juan Ruíz de Alarcón de la UNAM, donde la función fue detenida por un grupo de choque, que subió al escenario con chacos y varillas mojadas con ácido, los atacantes se encontraban instalados en las dos primeras filas del teatro. 

El relato de este desafortunado capítulo se puede leer, del libro ” Así pasan… Efemérides teatrales 1900-2000″, de Luis Mario Moncada editado por Escenologia. 

Naif Sicodelia la compañía Teatral crea bajo su visión psicodélica, Performática la puesta en escena de Fancy Lupe, que aborda el fascismo, la discriminacion, intolerancia, la identidad, fanatismo, reprensión, política y religión. 

  
 
Utilizando una serie de símbolos y diálogos bajo una anécdota de memorias de adoctrinamiento a un adolescente, mezclando referencias entre lo real y la ficción Fancy Lupe, mueve nuestras propias imágenes que pasan rápidamente por nuestras mentes, las cuestiones de la fe, del poder incluyendo nuestras propias realidades sociales y culturales nos remontan vívidamente a echar una mirada actual de nuestro país. 

 

Las referencias religiosas utilizadas por la compañía Teatral, bajo la mirada de los espectadores rompe totalmente y de manera crítica las costumbres agregadas que nos han transmitido por generaciones, rebelando de forma graciosa e incómoda la verdad que todos observamos en general y dejamos sin explicar, ya que advertimos normalidad en ello. 

   
    
 
Una moderna reflexión del fanatismo religioso, que evoca los echos del pasado con la actualidad de nuestros días, los espectadores desde la recepción al espacio por los mismos actores que te decían “Que el señor este contigo”, se paseaban juguetones por el acceso al Foro del Dinosaurio repartiendo tarjetas de su grupo Teatral, haciendo calentamiento y flexiones entre el público. 

De manera alegre se notaban cotidianamente apacibles, las puertas del foro se abrieron minutos después de lo programado, nos adentramos a las butacas tomamos asientos la sala obscurecio y nos adentramos a observar la excelente presentación que minuto a minuto nos mantuvo en diferentes estados de emoción. 

Muchos detalles iconicos, figurativos que hacen alucion a momentos de nuestra vida cotidiana, la cultura, el estado, la sociedad, etc. No contare por si en algún momento tienen la oportunidad de ver esta puesta en escena. 

   
    
    
 
Actuación :

  • Pepe Romero
  • Mariano Ruíz 
  • Emilio Bastré 
  • Alan Balthazar

  
Fancy Lupe 

Dirección y Dramaturgia: Pepe Romero.

Musicalizacion: Mexican Jihad.

Vestuario: RIP Rosa Pistola 

Video: Nora Lee

Asistente de direccion: Thania Millán 

   
 

Foro del Dinosaurio Museo Universitario del Chopo.